Gravura in profunzime (sunt imprimate zonele in profunzime) Realizata pe metal (cupru) Gravura incisiva. Un cristal imens situat la nivelul mijlociu al piesei

Una dintre cele mai cunoscute lucrări care utilizează o metodă unică de sculptură în metal este „Melancolia” a lui Albrecht Durer. Ea este cel mai adesea asociată cu numele său, deoarece, de exemplu, „La Gioconda” este asociată integral cu Leonardo da Vinci.

Măiestrie superbă

Dar, în primul rând, merită să ne oprim asupra graficii lui Durer, asupra conținutului gravurilor sale și asupra tehnicii măiestriei sale. Pentru că atunci când te uiți la gravurile lui, în lucrările care se numesc gravuri pe cupru, ești surprins de incredibila perfecțiune tehnică a creatorului. Este incredibil de unic, complex și consumator de timp.

Dürer a fost cel care a creat această tehnică de gravură sculptată pe cupru. A luat tăietorul și și-a așezat mâna pe o pernă specială ca să o poată ține mult timp într-o anumită poziție. Și în timp ce lucra la capodoperele sale, el nu a mișcat tăietorul de-a lungul tăbliței de cupru, ci a mutat placa însăși sub mâna lui. Ulterior, a început procesul de gravare.

Este necesar să acordați atenție lucrărilor sale minunate „Rinocer”, „Melancolie”, „Cavalerul, Diavolul și Moartea”. Privind la ei, este imposibil de crezut că acest lucru se poate face în acest fel. Ce număr mare de rânduri! Și astăzi nimeni nu folosește gravuri pe cupru cu gravură, care au fost create de Albrecht Durer. Ea a venit cu acest maestru extraordinar și a plecat cu el.

Trei părți din cea mai magnifică creație a unui meșter priceput

Cea mai faimoasă gravură realizată de Albrecht Durer este „Melancolie”. A fost creat în o mie cinci sute paisprezece. Dacă te uiți la ea foarte atent, vei observa că această gravură este împărțită în trei niveluri de-a lungul liniilor orizontale.

Fiecare dintre ele reprezintă anumite etape ale cunoașterii. Artistul din această lucrare desemnează cu atenție toate aceste niveluri cu anumite atribute. Dacă te uiți suficient de atent la obiectele care sunt descrise în nivelul inferior, poți vedea un set foarte interesant acolo.

Instrumente de artizanat sau nivel înalt de creare de capodopere

Fiecare unealtă din gravura „Melancolie” de Durer, situată la acest nivel, aparține obiectelor meșteșugului: un avion, clești, un pătrat, un ciocan și cuie. Și cel mai impresionant lucru este mingea perfect în formă. Acesta este tocmai semnul unei îndemânări foarte înalte.

În epoca lui Albrecht, diverse învățături, abilități tehnice, capacitatea de a face ceva cu propriile mele mâini, cunoasterea anatomiei reprezentate de animalul ghemuit in coltul din stanga al gravurii - toate acestea necesitau cele mai inalte niveluri de educatie.

La baza tuturor acestor lucruri se afla posesia unei abilități tehnice destul de minuțioase. Și orice instrument din gravura „Melancolie” de Durer a subliniat prezența fiecăreia dintre aceste cunoștințe. Și dacă un maestru ar putea crea o astfel de sferă, atunci el are ocazia să treacă la următorul nivel de pregătire.

Albrecht Durer. "Melancolie". Ambarcațiuni de înaltă calitate sau nivelul următor de inteligență

La nivel intermediar, sunt vizibile o mare varietate de atribute. Și ei, la prima vedere, nu au nicio legătură unul cu celălalt. Îngerașul drăguț este ocupat să citească o carte. În același timp, se așează pe vârful pietrei de moară. După toate probabilitățile, acest băiat drăguț cu aripi mici reprezintă o zonă cu o anumită dezvoltare intelectuală.

Personajul din dreapta îngerului are un portofel atașat de cureaua hainei sale. Dar el stă întins la picioarele ei. Pentru că banii sunt o plată adecvată numai pentru munca specifică efectuată. Și este posibil dacă folosiți orice unealtă din gravura „Melancolie” de Durer, care se află în partea de jos a imaginii, legată de măiestrie. Dar este imposibil de evaluat, nu are plata corespunzătoare, așa că portofelul se află și pe nivelul inferior.

Un cristal imens situat la nivelul mijlociu al piesei

Dar locul principal din a doua parte a imaginii este ocupat de un cristal uriaș. Aceasta este o imagine a ceea ce este scopul oricărui alchimist. În zilele vieții lui Albrecht, în Evul Mediu târziu, priceperea unui meșter era evaluată prin arta de a crea o minge, iar cel mai înalt grad de cunoștințe intelectuale sau o persoană absolut învățată aparținea celui care cunoștea teorema savantul Ibn Sina despre suma unghiurilor unui poligon.

Însuși Albrecht Durer era familiarizat cu această lege. „Melancholia” arată privitorului un cristal. El este figura poligonală care reprezintă teorema celebrului om de știință. Și în apropiere se află unealta geologului, care arată că o astfel de piatră poate fi obținută nu prin mijloace alchimice, ci mai natural. Și un alt instrument din gravura „Melancolie” de Durer este creuzetul alchimistului, unde are loc procesul de transmutare, situat puțin mai departe - în spatele cristalului.

O lucrare care a uimit întreaga lume

Și, în sfârșit, a treia centură este ceva incredibil. CU partea dreaptă poți vedea un turn foarte mare care urcă și nu se termină niciodată. La fel ca scara atașată de ea și care merge spre cer. Pe clădirea în sine se pot vedea două obiecte remarcabile.

Aceasta este o clepsidră, care exprimă imaginea timpului, și masa magică a lui Durer, unde atât pe verticală, cât și pe orizontală se obține cifra treizeci și doi. Deasupra mesei este un sonerie de alarmă, iar o frânghie din acesta depășește conturul tabloului creat de Albrecht Durer.

„Melancholia” prezintă spectatorului acest turn ca simbol al faptului că este imposibil să studiezi absolut toate adevărurile. Există lucruri nelimitate pentru ca mintea umană să le înțeleagă. Și includ nu numai măiestria și educația intelectuală, ci și învățăturile magice.

În Germania, în galeria Kunsthalle, se află gravura „Melancolie” de Dürer. Imaginile de înaltă rezoluție prezentate aici, desigur, nu permit să experimenteze toată perfecțiunea operei autorului lucrării, care a cufundat întreaga lume în uimire. Dar, cu toate acestea, ei ajută la studierea acestei capodopere și la o analiză a acesteia.

O parte a lucrării referitoare la existența pământească

Lucrarea pe care Albrecht Durer a creat-o folosind tehnica sculpturii în cupru este pictura „Melancolie”, care reprezintă și peisajul pământesc, aflat în colțul din stânga sus al gravurii. Raze strălucitoare nelimitate de la o stea îndepărtată. Există o legendă care este descrisă aici, care a măturat cerul chiar în acel moment.

Dar personajul principal este băţ, care se referă la simbolul melancoliei. Ea, în labele deasupra stelei, curcubeului, apei și întregului peisaj, poartă harta acestei boli psihice a tuturor geniilor. Cunoașterea mare generează tristețe. Cu cât o persoană știe mai multe, cu atât vede mai adânc și se cufundă în melancolia neagră.

Imaginea geniului sau a melancoliei negre

Ultima figură pe care Durer a arătat-o ​​este melancolia. Fotografia prezentată aici arată imaginea de geniu sau melancolie neagră creată de artist. Are aripi uriașe de o întindere extraordinară. Ca niște aripi de înger foarte mari. Și în mâinile ei ține o busolă.

Prin aceasta, Albrecht Durer a vrut să clarifice că orice nelimită a cunoștințelor trebuie dovedită, măsurată și verificată. Totul trebuie să fie sub control. Și pe capul figurii este un spin înflorit, care nu a zburat încă și nu își taie spinii în frunte.

Și poate chiar această imagine a melancoliei, pe care artistul a arătat-o, cu o privire atât de tristă și unindu-se atât de mult în sine, este unul dintre autoportretele sale, doar în imagine.

Albrecht Durer este singurul dintre artiștii lumii care are un număr incredibil de autoportrete. Pe primul l-a desenat când era doar un băiat. Și apoi începe o serie de imagini nesfârșite cu el însuși până la ultima, unde stă, arătând spre pancreas. Parcă și-ar fi diagnosticat singur.

Și această gravură faimoasă „Melancolie” de Albrecht Durer exprimă, în primul rând, tema sorții. Și toate cunoștințele prezentate pe ea, cele trei niveluri de cunoaștere a științei și a priceperii, potrivit autorului, dau naștere în cele din urmă la melancolie. Pentru tot trebuie să plătești un preț spiritual foarte mare. Deci cel mai mare creator și-a transmis starea de spirit în această imagine.

- (din gravura franceza), 1) o amprenta imprimata pe hartie (sau material similar) de pe placa (tabla) pe care este aplicat desenul. 2) Un tip de artă grafică care include o varietate de metode pentru prelucrarea manuală a plăcilor și tipărirea tipăririlor de pe acestea.… … Enciclopedia de artă

- (din gravura franceză) 1) o amprentă imprimată pe hârtie (sau material similar) de pe o placă („placă”) pe care este tăiat desenul; 2) un tip de artă grafică (vezi Grafică), inclusiv diferite metode de prelucrare manuală a plăcilor (vezi... ... Marea Enciclopedie Sovietică

gravare- GRAVURA1, s, g Un tip de artă plastică care reproduce realitatea în forme plane; lucrarea este o imagine plană obținută pe hârtie de pe o placă de imprimare, tăiată sau gravată de un gravor pe... ... Dicţionar substantive rusești

GRAVARE- [din franceză gravura], un tip de artă grafică; tehnologie de prelucrare a plăcilor (plăci, forme) gravare pentru obținerea de amprente de imagini pe hârtie, țesătură etc.; amprentă tipărită. Evanghelistul Luca. Gravura din „Apostolul” de I. Fedorov. M., 1564 (RSL) ... Enciclopedia Ortodoxă

Instrumente Stichels pentru gravarea finală... Wikipedia

Y; şi. [Franceză gravura] 1. Un desen tăiat sau gravat de un gravor pe suprafața netedă a unei piese. material dur; o copie tipărită a unui astfel de design. G. pe lemn, pe piatră, pe metal, pe linoleum. G. cu un cutter si un ac pe arama. Orașul Țvetnaia...... Dicţionar enciclopedic

Gravare- (din franceză graver cut, se întoarce la latinescul grave hard, deep) tip de grafică. revendicare, în care imaginea este obținută sub forma unei amprente imprimate (de obicei pe hârtie) de pe o placă de tipar (placă) din metal (cupru, oțel, zinc), lemn sau... ... Dicționar enciclopedic umanitar rus

Nume o impresie de tipărit obținută folosind un clișeu gravat al originalului, care transmite cu acuratețe micile detalii ale desenului autorului. În funcție de material, pe pisică. este gravat clișeul original, se distinge gravura pe metal... ... Dicționar filatelic mare

gravare- s; şi. (gravura franceză) vezi și. gravura 1) Un desen tăiat sau gravat de un gravor pe suprafața netedă a unei foi. material dur; o copie tipărită a unui astfel de design. Gravura pe lemn, pe piatra, pe metal, pe linoleum. Gravura cu dalta... Dicționar cu multe expresii

Acest termen are alte semnificații, vezi Adam și Eva (sensuri) ... Wikipedia

Acest termen are alte semnificații, vezi Melancolie (sensuri) ... Wikipedia

Cărți

• Gravura si litografie. Eseuri despre istorie și tehnologie, Compilat de I. I. Leman. Această publicație unică, cuprinzătoare descrie în detaliu tipurile de lucrări de artă grafică, oferă trăsăturile distinctive ale principalelor tehnici - gravură în lemn, cupru și...
• Gravura pe metal. La 115-a aniversare a Muzeului Rus, Editor: Vera Kazarina. Vă prezentăm atenției un album care include gravuri metalice din colecția Muzeului Rus. Gravura cu daltă pe metal a apărut la mijlocul secolului al XV-lea. Multă vreme s-a crezut că...
• Gravura rusă pe cupru din a doua jumătate a secolului al XVII-lea - prima treime a secolului al XVIII-lea (Moscova, Sankt Petersburg): Descrierea colecției departamentului de publicații de artă a Bibliotecii de stat ruse, M. E. Ermakova, O. R. Khromov. Colecția de gravuri rusești timpurii a Bibliotecii de stat ruse include lucrări ale tuturor maeștrilor majori ai celei de-a doua jumătatea XVII- prima treime a secolului al XVIII-lea: Vasily Andreev, Leonty...

Începând cu secolul al XV-lea și abia în secolul al XIX-lea au început să fie folosite scânduri de oțel. Mai bogat și mai variat ca model tonal. Designul este gravat în metal. Barma - proeminențe, așchii. Bosch. Imprimat sub presiune. Pe metal puteți face mai puține caneluri, aproximativ 100, și nu 1000, ca în gravurile în lemn. O imprimare este o imprimare.

Gravura chimică - Punct uscat. Efectul vopselei este sporit de acid. Placa de cupru este zgâriată. Linii cu margini neclare formate din cauza barmei. Efectul este mai moale. Se pot realiza maximum 10 printuri.

Gravurare - o placă metalică este acoperită cu un strat de grund special (asfalt, ceară), încălzită, afumată. Metalul este zgâriat până când lacul este îndepărtat. Apoi placa este tratată cu acid, care nu interacționează cu lacul, ci interacționează cu metalul. Prin urmare, la imprimare, apare un model perfect uniform, linii, tabla poate fi gravată și imprimată foarte mult. Oferă perspective de lumină-aer. Folosit în peisaje.

· Gravurare + Punct uscat. Rembrandt

· Lac moale. secolul al XVII-lea Grăsimea animală este amestecată în lac. Hârtia este așezată pe o placă de metal, se face un desen pe ea, iar câmpul de presiune și de gravare produce un desen moale, catifelat.

· Aquatita - 1765. (Jean Baptiste Lenprens) Sfârșitul secolului al XVII-lea-XVIII. Calitatea pitorească a graficii. După gravare, amorsa specială este spălată și pulverizată cu pulbere de asfalt. Dupa incalzire se topeste. Apoi sunt gravate din nou, iar acidul corodează porii asfaltului. Pentru o lumină și mai întunecată, este gravată și acoperită din nou, iar lumina este lăcuită. Thomas Malton

· Mezzotint (de la sfârșitul secolului al XVII-lea) – Maniera Neagră. Ludwing Von Siginmund. Fundal Porter Amili. Placa este pregătită cu unelte speciale care răzuiesc metalul, cu cât mai multe caneluri, cu atât mai întunecate, apoi se nivelează cu ajutorul unui cuțit, crestăturile sunt lustruite acolo unde va fi o linie albă. Francisco Goya. Doar desen tonal.

Gravura Mezzotint+

· Acvatit + gravura. Richard

· Litografia (gravura pe piatra) Desenul este acoperit cu o solutie de ulei. Gravura plată în ulei.

Istoria gravurii

· Din secolul al XIV-lea până în secolul al XVIII-lea – tehnica picturii. Suport grafic. Serviciu (sec. XIV) Schițe.

· Secolul al XV-lea - cartoane, care au fost create în dimensiuni reale de imagine, din care desenul a fost transferat de pe carton pe perete de-a lungul unei grile. Rembrandt. Pastel

Imagini independente din punct de vedere grafic

o. Portrete

b. Peisaje

· secolul al XVIII-lea – strict,

Secolul al XX-lea – gravură în lemn, gravură (Van Gogh). La începutul secolelor al XIX-lea și al XX-lea, grafica s-a schimbat. Impresioniștii au creat pointelismul (din cuvântul francez - pointe

Tradiția leagă originea gravurii pe cupru cu tehnica „niello”. Termenul „niello” se referă la o tehnică folosită de aurari încă din Evul Mediu; atunci când lucrați pe produse din metal sau argint, inclusiv plăci destinate decorarii cu niello, suprafața metalului cu un model aplicat, tăiată adânc în ea, a fost acoperită cu pulbere neagră. Compusă din sulf și alte componente, această pulbere a fost numită prin cuvântul latin „nigellum”. Placa de metal s-a încălzit, iar masa neagră topită a umplut canelurile adânci ale desenului lăsate de tăietor. După răcirea produsului, părțile în exces din „nigellum” întărit au fost îndepărtate, iar designul a apărut clar pe suprafața metalului cu contururi negre subțiri, dând lucrării un caracter finit și prețios. Aparent, înainte de a începe etapa finală a lucrului cu „nigellum”, artiștii, în efortul de a verifica rezultatul dorit, au umplut canelurile liniilor adânci ale designului cu cerneală sau vopsea închisă la culoare și apoi au făcut printuri de testare. pe hârtie umedă. Așa au fost produse primele gravuri, la început aleatorii. Giorgio Vasari, un pictor, arhitect și eminent istoric de artă italian, atribuie invenția lor maestrului florentin Maso Finigverra, datând nașterea gravurilor „niello” în 1460. Cu toate acestea, afirmația lui Vasari este greu de crezut. Multe gravuri pe cupru care au apărut la mijlocul secolului al XV-lea în Italia, și chiar mai devreme în Germania și Țările de Jos, nu și-au putut datora aspectul unui singur maestru, probabil, astfel de mostre pe hârtie au apărut în mod natural în multe ateliere de bijuterii. Printre lucrările timpurii de acest tip care au supraviețuit până în zilele noastre, se remarcă câteva gravuri în miniatură, care, în cuvintele cercetătorului italian Mary Pittaluța, își datorează „farmecul prețios” dimensiunilor reduse și distanței apropiate dintre linii.

Pe suprafața minusculă a gravurii „Adorarea magilor” (115 x 105 mm) se potrivesc treizeci și două de figuri ale participanților la procesiune, amintind din punct de vedere compozițional de frescele lui Benozzo Gozzoli din Palazzo Medici-Riccardi din Florența (1459 - 1463). ) - Creatorul gravurii nu cunoaște încă legile perspectivei liniare, instinctul decoratorului îl atrage să umple spațiul - și țese, ca un model, cortegiul Magilor de jos în sus, de la dreapta la stânga. Din adâncurile întunecate ale „niello-ului” ies figuri luminoase cu umbre ușoare ale Mariei, Iosif, regilor magicieni și foarte departe - călăreți, cai, cămile și chiar păstori - personaje dintr-un alt complot, „Adorarea păstorilor”. .

Portretul lui Bentivoglio, înscris în cerc, este executat și mai subtil și mai delicat. Trăsăturile subțiri, un profil blând, o expresie tristă pe față sunt în armonie cu culorile care apar în jurul figurii tinere. Ca un lucru prețios bijuterii gravura seamănă cu un medalion urmărit.

„Niellos” grațios se caracterizează prin forme ușoare care ies din întuneric. Acesta ar fi putut deveni un fel de canon pictural dacă dorința de a înconjura un obiect cu un mediu spațial, apărută în timpul Renașterii, nu i-ar fi determinat pe primii maeștri gravori să abandoneze fundalurile întunecate și să folosească posibilitățile artistice ale hârtiei albe.

Tipul „niello” cu fundalul său negru și-a găsit dezvoltarea ulterioară în Bologna în a doua jumătate a secolului al XV-lea și începutul secolului al XVI-lea în opera lui Pellegrino da Cesena, într-un sens pur decorativ, ca un model alb pe un fundal negru și-a pierdut legătura cu „niello”, continuă să trăiască în secolul al XVII-lea.

„Portretul unei doamne nobile” este considerată pe bună dreptate una dintre primele capodopere ale artei noi, păstrată într-un singur exemplar în colecția Cabinetului de gravură din Berlin. Gravura pe cupru a fost realizată de un maestru al școlii florentine, datează din anii 1440 - 1450. Doar un bijutier, care lucrează cu atenție în forme mici și pe materiale scumpe, ar putea trasa o linie atât de pură și grațioasă precum conturul profilului unei doamne. Rochia ei, colierul prețios și hainele ei sunt pline de modele fin concepute. Și acest model complex ar putea fi, de asemenea, recreat doar de un aurar priceput. Tocmai în contrastul suprafețelor curate ale feței și gâtului, limitate doar de un contur, cu suprafețele proiectate decorativ ale coifului, colierului și rochiei este conținut principalul efect artistic al acestei lucrări. În același timp, farmecul său deosebit păstrează urme ale contactului dintre priceperea bijutierului și marea artă a Renașterii timpurii. Fără îndoială că această gravură poartă amintirea celebrelor portrete de profil care au ieșit din atelierele pictorilor Domenico Veneziano și Paolo Uccello.

Pe lângă „Portretul unei doamne nobile”, ar trebui menționate alte câteva gravuri italiene timpurii, care arată în mod clar influența fructuoasă a artei renascentiste a Florenței asupra formării gravurii italiene. Compoziția „Învierea lui Hristos”, cunoscută dintr-un singur tipărit din colecția Muzeului Britanic din Londra, repetă direct relieful lui Luca della Robbia pe același subiect, comandat în 1443 pentru Catedrala din Florența Influența realismului dur al lui Andrea del Castagno este dezvăluită de câțiva foi gravate de anonimul Maestru al Patimilor de la Viena Chiar și în gravuri precum „Hristos în slavă” (singurul exemplar din colecția grafică a Galeriei Uffizi) și „Înălțarea Mariei”, cu ornamentația lor intensă, particularitățile. a structurii compoziționale, echilibrul și relația clară a formelor nu pot fi imaginate în afara descoperirilor artei noi.

Apariția gravurii s-a dovedit a fi o verigă în evoluția artelor plastice: gravura în lemn provine din scânduri pentru producția de țesături imprimate, gravura este adiacentă artei bijuteriilor, iar gravura are ceva în comun cu meșteșugul armurierului. Calitatea distinctivă a gravurii de alte forme de artă este că este o impresie pe hârtie. De aceea, locul de naștere al gravurii este locul de naștere al hârtiei - China.

Gravura pe lemn a apărut în China nu mai târziu de secolul al VI-lea cel puțin de atunci, au existat referiri la cărțile de gravură în lemn realizate în acest fel. Așa că ar fi existat multe presupuneri dacă nu ar fi fost descoperirea în 1900 la Donghuan (China de Vest) în Peștera O Mie de Buddha a faimoasei „Sutra Diamantului”, care acum este stocată în Biblioteca Britanică. Este datat 868 și indică faptul că maestrul Wang Chi a tăiat scândurile și a tipărit cartea „de dragul comemorarii părinților săi decedați”. De aceea și în dicționarul V.I. Dahl numește tipărirea în lemn „metoda de tipărire chineză”.

Așa că acum prima dată din istoria gravurii coincide cu prima dată din istoria tiparului. Cu toate acestea, pătrunderea gravurii în Europa a fost doar puțin înaintea invenției tiparului de către Johannes Gutenberg.

Primele exemple de gravură vest-europeană, realizate folosind tehnica gravurii în lemn tivite, au apărut la începutul secolelor XIV-XV. Erau de conținut religios, ceea ce a predeterminat răspândirea acestui „meșteșug”: mai întâi a fost Bavaria, Alsacia, provincii ale Sfântului Imperiu Roman; apoi au început să apară pliante satirice, calendare și cărți cu alfabet. Prima gravură în lemn datată se numește „Sf. Christopher”, realizată în 1423. Pe la 1430, așa-numitul cărți bloc, unde textul și ilustrațiile erau tipărite pe o singură tablă, iar din 1461 au început să fie folosite gravurile în lemn ca ilustrații pentru cărți tipărite.

Tehnica de gravură în lemn este destul de simplă: un desen este aplicat pe suprafața lustruită a unei plăci de aproximativ 2,5 cm grosime, după care liniile acestui desen sunt tăiate pe ambele părți cu un cuțit ascuțit, iar fundalul este selectat cu un unealtă specială la o adâncime de 2-5 mm. După aceasta, placa poate fi rulată cu vopsea și imprimată pe hârtie.

Dacă mai înainte vorbeam despre așa-numita gravură tăiată (realizată de-a lungul fibrelor de lemn), atunci, în anii 1780, minunatul artist și gravor englez Thomas Bewick a inventat metoda de gravură finală pe lemn (pe o secțiune transversală a unui trunchi de lemn de esență tare). ). El însuși a creat multe capodopere ale acestui gen - ilustrații pentru Istoria generală a patrupedelor și Istoria păsărilor din Marea Britanie în două volume. În această tehnică, în secolul al XIX-lea, au fost create multe ilustrații de carte, care, cu adăugarea unei plăci de ton al doilea, au fost numite politipuri. Cei mai mari reprezentanți ai acestei tehnologii în Rusia au fost Lavrentiy Seryakov și Vladimir Mate.

Arta gravurilor orientale în lemn se deosebește. Dacă anterior transmitea doar texte hieroglifice religioase, atunci în secolul al XVII-lea au apărut cărți ilustrate în Japonia, iar din anii 1660 - gravuri cu conținut laic. Perioada de glorie a tipăririi japoneze în lemn datează de la secolul al XVIII-lea, când Okumura Masanobu a introdus imprimarea în două și trei culori. Cel mai mare maestru al sfârșitului secolului al XVIII-lea este considerat a fi creatorul portretului ideal feminin Kitagawa Utamaro, iar în prima jumătate a secolului al XIX-lea creatorii de peisaje minunate au fost Katsushika Hokusai și Ando Hiroshige.

Gravura cu daltă pe metal a apărut la mijlocul secolului al XV-lea. S-a crezut mult timp că inventatorul acestei tehnici a fost aurarul florentin Maso Finiguerra, a cărui primă gravură datează din 1458; dar această teorie a fost infirmată de specimene anterioare. Și acum, cea mai veche gravură pe cupru este considerată a fi „Flagelația lui Hristos”, realizată de un maestru german necunoscut în 1446. Iar primul, deși anonim, cel mai remarcabil maestru al gravurii este „Maestrul cărților de joc”, care a lucrat la Basel și în cursul de sus al Rinului.

ÎN în acest caz, meșterul a luat o placă de metal forjată uniform și lustruită cu grijă, pe care a aplicat un design folosind un pumn de bijuterii, care a fost apoi trecut cu o unealtă mai temeinică - o daltă sau un mormânt. După aceasta, vopsea a fost frecată pe placă, excesul a fost îndepărtat și foaia a putut fi imprimată.

Cel mai remarcabil maestru al secolului al XV-lea este gravorul german Martin Schongauer, care a lucrat la Colmar și Breisach. Opera sa, combinând goticul târziu și Renașterea timpurie, a avut o influență semnificativă asupra maeștrilor germani, inclusiv asupra lui Albrecht Dürer. Dintre maeștrii primei jumătate a secolului al XVI-lea, de remarcat, pe lângă amintitul A. Durer, minunatul Luca de Leiden.

Dintre maeștrii italieni ai secolului al XV-lea, cei mai semnificativi sunt Andrea Mantegna și Antonio del Pollaiolo. În Italia, în secolul al XVI-lea, a apărut o tendință care a predeterminat piatră de hotar importantăîn dezvoltarea gravurii europene - a fost reproducerea lucrărilor de pictură.

Apariția gravurii de reproducere este asociată cu numele lui Marcantonio Raimondi, care, lucrând până la sfârșitul primei treimi a secolului al XVI-lea, a creat câteva sute de reproduceri ale operelor lui Dürer, Rafael, Giulio Romano și alții folosind o daltă.

În secolul al XVII-lea, gravura de reproducere era extrem de comună în multe țări - în Flandra, unde erau reproduse multe picturi, în special de Rubens. În Franța în acest moment, Claude Melland, Gerard Edelinck, Robert Nanteuil și alții au contribuit la înflorirea reproducerii portretelor gravate.

Deoarece atât gravura pe lemn, cât și gravura pe cupru doar exclusiv în mâinile unor maeștri de seamă reprezentau lucrări complete, excelente, pline de expresivitate artistică și pitoresc, la începutul secolului al XVI-lea a apărut un alt tip de gravură pe metal, care a devenit un gen preferat pentru mulți mari artiști. - aceasta este gravura.

Principalul său avantaj este ușurința de producție, ceea ce nu se poate spune nici despre gravură, nici despre gravură în lemn. Faptul este că, dacă în cele două tehnici numite trebuie să tăiați manual linii pe lemn sau metal, atunci în gravare toată această muncă dificilă este făcută de acid. O placă de metal (de obicei fier în secolul al XVI-lea, cupru în secolele XVII-XVIII, iar mai târziu zinc), folosită pentru gravarea obișnuită cu dalta, este acoperită cu un grund special, rezistent la acid. Un model este aplicat pe placă folosind un ac ascuțit de oțel, pătrunzând prin solul moale. După aceasta, placa este plasată în acid azotic (cupru - într-o soluție de clorură ferică), iar modelul aplicat cu un ac este gravat la adâncimea dorită. După aceasta, solul este spălat de pe placă, vopsea este frecată și se face o amprentă. În Rusia, gravura gravată obișnuia să fie numită gravura cu vodcă puternică.

Gravurile au devenit deosebit de faimoase maestru francez prima treime a secolului al XVII-lea de Jacques Callot, reproducând o varietate de scene, adesea elocvente viata moderna. Școala flamandă a oferit artei un gravor excelent - Anthony van Dyck, ale cărui portrete sunt exemple excelente de iconografie din secolul al XVII-lea.

Dar nu există nicio îndoială că cea mai valoroasă și holistică este școala olandeză de gravură, care în acest caz concurează cu pictura și nu este în niciun fel inferioară acesteia. Această școală este reprezentată de Adrian Van Ostade, Paul Potter, Hercules Seghers... Dar maestrul principal aici este Rembrandt, care este complet independent, fără ajutor din exterior, a stăpânit arta gravurii și a depășit toate dificultățile acestei tehnici capricioase. Rembrandt a lăsat peste trei sute de gravuri în multe state.

De la jumătatea secolului al XVIII-lea, așa cum se întâmplase anterior cu gravura, a apărut o direcție separată de gravură de reproducere. Aproape toate imaginile și ilustrațiile de carte din mijlocul celei de-a doua jumătate a secolului al XVIII-lea au fost realizate folosind această tehnică.

Dar dacă gravura de reproducere a fost un fel de produs de masă pentru secolul al XVIII-lea, atunci gravura originală a continuat să existe și a fost un „debuș” pentru mulți pictori. Lucrările lui Francisco Goya, Giovanni Battista Tiepolo, Canaletto, Antoine Watteau, Francois Boucher și mulți alții au devenit foarte celebre. Deoparte este opera arhitectului și gravorului Giovanni Battista Piranesi, care a fost poate cel mai remarcabil gravor al acestui secol, care a lăsat multe volume de picturi cu vederi ale Romei, antichităților romane și chiar temnițe.

Dacă în secolul al XIX-lea, sub influența noilor tehnici de imprimare, arta gravurii a dispărut, atunci până la sfârșitul secolului a înflorit cu forță nouă, și nu mai are caracterul unei „ilustrări”, ci este percepută de contemporani ca o operă de artă integrală. Aproape toți pictorii francezi celebri apelează la gravură, începând cu Barbizons (Camille Corot, Charles-François Daubigny și alții) și terminând cu impresioniști (în special Edouard Manet). De asemenea, multe dintre țări au adus maeștri celebri în arta gravurii: Anders Zorn în Suedia, Adolf Menzel în Germania, James Whistler în SUA, Ivan Shishkin și Valentin Serov în Rusia.

Pe lângă gravura ca atare, acest tip de gravură a dobândit mai multe varietăți în secolul al XVIII-lea și, uneori, într-o singură lucrare putem observa o combinație de mai multe tehnici de gravare în același timp.

Cea mai comună dintre ele este acvatinta - atunci când placa este gravată prin colofoniu aplicat sau praf de asfalt. O astfel de gravare creează efectul unui model de ton în timpul imprimării, mai ales în imprimarea monocromatică, care amintește de grisaille. Adăugarea de acvatinte la o gravură clară, chiar uneori ascuțită în contururile sale, conferă gravurii o calitate pitorească și seamănă cu un desen sau cu acuarelă. Printre primii care au folosit acvatinta a fost francezul Jean Baptiste Leprince, creatorul celebrelor „tipuri rusești”, precum și Francisco Goya, care a folosit-o în Caprichos.

Leprince a fost cel care a inventat o altă tehnică de gravare suplimentară - lavis. În acest caz, imaginea este aplicată direct pe placă cu o perie înmuiată în acid. Atunci când se realizează o imprimare, fragmentele de gravură executate în lavis sunt ca un decalaj între o gravură pură și o acvatinta.

O altă tehnică de gravare la care vom acorda atenție este lacul moale. Când se folosește, pământul de gravare este amestecat cu grăsime (din această cauză rămâne mai ușor în spatele plăcii), după care i se aplică hârtie granulată, pe care artistul își aplică desenul cu un creion de duritate suficientă. Deoarece creionul creează o oarecare presiune, grundul se lipește de hârtie de-a lungul liniei de desen și este apoi îndepărtat împreună cu acesta. Placa rezultată, cu liniile de proiectare astfel eliminate, este supusă gravării convenționale și apoi tipărită. Această metodă era cunoscută încă din secolul al XVII-lea, dar mai mult ca o curiozitate și și-a găsit aplicație abia în secolele al XIX-lea și, mai ales, al XX-lea. O gravură executată în acest fel seamănă cel mai mult cu un desen cu cărbune sau sos. Cei mai celebri maeștri ai lacului moale sunt Vladimir Falileev, Elizaveta Kruglikova și, desigur, Kathe Kollwitz.

Dacă tehnica lacului moale este destul de ascuțită și chiar uneori aspră, atunci în secolul al XVIII-lea a fost folosit așa-numitul stil creion pentru a reproduce desene. Aici, un desen este aplicat pe o placă de gravură pregătită folosind bandă de măsură specială, iar imprimarea rezultată poate fi adesea confundată cu un desen sanguin sau pastel. Cel mai mare număr Gravurile în creion au fost realizate în Franța la mijlocul secolului al XVIII-lea și reproduc în mare parte desenele lui Francois Boucher. Inventatorul acestei tehnici este Jean Charles Francois, care a fost apoi îmbunătățită de Gilles Demarteau.

În gravuri care utilizează diverse tehnici de gravare, se găsesc adesea linii punctate. Între timp, aceasta este una dintre tehnicile străvechi de gravură, cunoscută atât pe pământurile germane, cât și pe cele italiene încă de la sfârșitul secolului al XV-lea. Imaginea este aplicată pe placa de gravură folosind un ciocan și diverse unelte din oțel - pumni. Gravura cu linie punctată a atins apogeul în secolul al XVIII-lea, iar unul dintre cei mai talentați maeștri este Francesco Bartolozzi, care a lucrat mult în Anglia și l-a învățat pe primul gravor punctat rus Gabriel Skorodumov. În ceea ce privește linia punctată de gravare, acestea sunt, de fapt, pur și simplu nu linii, ci puncte realizate cu un ac de gravare.

Înainte de a începe să vorbim despre gravuri color, trebuie să vorbim despre încă o tehnică de gravură. Vorbim despre așa-numita manieră neagră, numită mezzotinto. Stilul negru are o caracteristică fundamentală: imaginea este aplicată și, în consecință, imprimată nu de la alb la negru (când vopseaua umple canelurile de la tăietor sau de la desenul gravat), ci de la negru la alb. Tabla este mai întâi prelucrată cu un instrument special (un lapidar), iar dacă este imprimată în această formă, va produce o imprimare neagră catifelată. Gravorul netezește zonele de care are nevoie, unde vopseaua nu se va lipi și unde imprimarea va produce zone luminoase. După cum se întâmplă adesea, înflorirea stilului negru nu a avut loc acolo unde a fost inventat.

Inventatorul acesteia este olandezul Ludwig von Singen, care a realizat prima sa gravură folosind această tehnică în 1642. Mezzotint s-a dezvoltat pe pământurile germane și olandeze până la mijlocul secolului al XVIII-lea; Cam în același timp, a devenit cunoscut în Anglia, unde s-a răspândit cu brio la mijlocul secolului al XVIII-lea - începutul secolului al XIX-lea, drept urmare, uneori, este numit chiar și maniera engleză. Dintre cele mai mari nume din această tehnică din Rusia, James Walker, autorul multor portrete excelente, a devenit celebru.

Acum vom vorbi despre gravuri color. Ele, ca și gravurile clasice, pot fi realizate atât pe lemn, cât și pe metal. Sunt imprimate de pe mai multe plăci, ceea ce dă naștere de fapt la o imagine color.

Gravurile în lemn colorate au apărut chiar la începutul secolului al XVI-lea. Pentru o lungă perioadă de timp, gravorul italian de nord Hugo da Carpi a fost considerat inventatorul său: deoarece la acea vreme era posibil să breveteze invenția ta în Republica Venețiană, el a anunțat acest lucru în 1516, numind tehnica de imprimare Chiaroscuro. Deși această tehnică a fost folosită în Europa mai devreme: din 1506, gravuri color de pe mai multe plăci au fost tipărite de Lucas Cranach, apoi de Hans Burgkmair și alți artiști.

Și, deși Italia nu poate apăra dreptul de a inventa gravuri în lemn color, se poate mândri pe bună dreptate cu cele mai bune exemple ale acestei arte. Hugo da Carpi a fost cel care a creat compoziții excelente din originale ale lui Rafael, precum și alți artiști italieni: Giulio Romano, Caravrgio, Parmigianino și alții. Deci secolul al XVI-lea ne-a dat cel mai mult cei mai buni maeștri clarobscur; în secolul al XVII-lea, această tehnică a început să dispară în Italia și practic a degenerat până în secolul al XVIII-lea.

Reînvierea gravurilor în lemn în culori a început la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. Aici putem remarca maeștri precum elvețianul Felix Vallotton, precum și ruși - Anna Ostroumova-Lebedeva, Vladimir Falileev și Ivan Pavlov.

În ceea ce privește gravura color pe metal, încă din secolul al XVI-lea remarcăm încercările sale timide, sau mai bine zis experimentele. Tipărirea foilor colorate de pe mai multe plăci a fost începută în jurul anului 1710 de un rezident al Olandei, Jacques Christophe Leblond. El a fost inițial un gravor în manieră neagră și, în timp ce a rămas un susținător al tipăririi în trei culori, a folosit trei plăci mezzotint cu culori diferite pentru aceasta.

Dar toate experimentele cu gravura color bazată pe mezzotint nu au avut succes. Și numai în Franța, odată cu utilizarea plăcilor de gravură realizate în acvatint și lavis, gravura color începe să existe pe deplin. În acest domeniu a lucrat și același admirator al tipurilor rusești, Jean Baptiste Leprince, un adevărat ascet și testator al tablei de gravură. Dar invenția gravurii color lavis i-a aparținut lui François Janine și a atins cea mai înaltă perfecțiune în mâinile lui Louis Philibert Debucourt, care din 1785 s-a dedicat în întregime gravurii color. Numărul de scânduri din gravurile sale color a ajuns la opt. Gravurile franceze color din această perioadă sunt în cea mai mare parte remarcabile și valoroase.

Dar toate cele mai dificile tehnici ale secolului al XVIII-lea - mezzotinta, gravuri complexe și gravuri - au suferit o lovitură severă la începutul secolului al XIX-lea: germanul Johann Alois Senefelder a inventat complet mod nou tipar – litografie. Această metodă, legată de imprimarea plată, se bazează pe respingerea grăsimilor din apă. Imprimările se realizează prin transferul de cerneală sub presiune de pe o placă de imprimare - piatră litografică (calcar) - pe hârtie. Imaginea este aplicată pe piatră folosind cerneală groasă sau creion litografic. Mai mult decât atât, circulația cu această metodă de imprimare putea fi de multe ori mai mare ca număr de tipărituri decât toate metodele de tipărire care existau la acea vreme.

În 1806, Senefelder a deschis primul atelier de litografie la München și a publicat un manual de litografie în 1818, iar în primul sfert al secolului al XIX-lea s-au deschis ateliere similare în aproape toate marile capitale europene. Acest lucru, desigur, a fost facilitat de revoluția industrială, din cauza căreia o metodă atât de ușoară, relativ ieftină și în același timp răspândită a devenit atât de populară.

Printre primii litografi, pe lângă Senefelder însuși, de altfel, deloc artist, ci actor și autor de piese muzicale, se remarcă numele celebrilor artiști germani Franz Kruger și Adolf von Menzel. Francisco Goya, Theodore Gericault și Eugene Delacroix s-au orientat și ei către litografie.

La mijlocul secolului al XIX-lea, litografia a devenit o armă politică ascuțită. În acest context este prezentat cel mai mare maestru al litografiei - caricaturistul francez Honore Daumier, a cărui artă a avut o rezonanță atât de mare încât chiar și în Rusia în a doua jumătate a secolului au lucrat câțiva litografi-caricaturiști importanți: Alexander Lebedev, Pyotr Boklevsky , Nikolai Stepanov.

În ceea ce privește litografii ruși din prima jumătate a secolului al XIX-lea, atunci, precum și în străinătate, cei mai importanți artiști ruși au arătat atenția acestei noi arte - Alexey Orlovsky, Orest Kiprensky, Alexey Venetsianov. Cel mai mare maestru litograf rus al acestui timp a fost Karl Petrovici Beggrov.

Datorită activităților sale de publicare de amploare, Vasily Timm a devenit celebru, lăsând multe sute de coli de diferite calități, dar extrem de interesante ca conținut, dezvoltându-se adesea în caricaturi. Litografia în Rusia a devenit și prima metodă de imprimare color. Folosind această tehnică, excelentul maestru Ignatius Shchedrovsky a publicat „Scene din viața populară rusă” în 1845.

În legătură cu litografie, apar multe tipuri de imprimare plată, în special pentru imaginile color, care au fost cele mai solicitate în ultima treime a secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. Aceste tehnici se îndepărtează treptat de opera originală a artistului, care se numește acum autolitografie, și trec în categoria graficelor cu circulație multiplă. Deși acum, la începutul secolului al XXI-lea, multe lucrări tipărite chiar și de mare tiraj par a fi exemple minunate de artă grafică.

Vom încerca să enumerăm câteva dintre ele. Cea mai populară dintre tehnici a fost cromolitografia. În acest caz, pentru fiecare culoare a imaginii, a fost realizată o formă de imprimare separată - o piatră (mai târziu - o placă de zinc), cu toate acestea, odată cu inventarea fotografiei, aceste metode intensive de muncă au fost rapid înlocuite cu metode fotomecanice de transfer al imaginea pe un formular de imprimare. Așa a apărut fotolitografia, care în imprimarea finală nu este practic diferită de cromolitografia.

În sfârșit, vrem să spunem mai multe despre metodele fotomecanice de realizare a plăcilor de imprimare. Unele dintre aceste metode sunt aproape imposibil de distins tehnici originale tipografie. Ele au fost dezvoltate după ce Louis Daguerre a anunțat, în 1839, la Societatea Regală, descoperirea unei metode de obținere a imaginilor pe straturi fotosensibile, pe care a numit-o dagherotip și acum numită fotografie.

Cea mai comună în prima jumătate a secolului al XX-lea a fost zincografia. În acest caz, imaginea este aplicată pe placă nu de către artist, ci prin transfer fotografic pe o placă de zinc, care este apoi gravată în acele zone ale imaginii în care urmează să fie selectat grundul pentru plăci de zinc. Zincografia a fost inventată pentru prima dată în Franța în 1850 și a fost numită gilotip după inventatorul său.

Cu ajutorul zincografiei, atât desenele în linii, cât și imaginile multicolore (în special copiile din gravuri în lemn) sunt transferate la imprimare, dar este imposibil să transferați o imagine de ton folosind această metodă. Merită spus că unii artiști, în evoluția experimentelor lor privind metodele de imprimare, și-au încercat mâna la zincografia originală.

Particularitatea că o tehnică atât de convenabilă pentru imprimarea imaginilor nu permite transferul imaginilor în ton a forțat mulți tipografi și ingineri talentați să muncească din greu, ceea ce a dus la inventarea rasterului în anii 1880 și, odată cu acesta, o nouă tehnică de imprimare tipar - autotip. . Dicționarul Brockhaus și Efron numește autotipul „una dintre modalitățile de a transforma un manuscris, un desen sau o fotografie într-un clișeu pentru tipărire”. A fost inventat simultan în Rusia și Germania. În acest caz, imaginea de ton este aplicată pe o placă de zinc folosind o grilă raster, care descompune tonurile în puncte mici, distribuite uniform; astfel, dimensiunea punctului va depinde de tonul dintr-o anumită locație din original. Adică, în locuri luminoase punctele vor fi aproape invizibile, dar în locuri întunecate, dimpotrivă, sunt mari și aproape se îmbină.

Așa cum a fost deja cazul altor metode de imprimare, autotiparea a devenit în cele din urmă culoare. Poate fi în trei culori (cu trei clișee) și în patru culori (cu patru, respectiv), iar mașinile moderne fac uneori cinci straturi colorate. Pentru a transmite mai bine imaginile monocromatice, uneori se folosește autotype-duplex, unde un clișeu este principalul, iar al doilea este unul suplimentar, cu un ton moale - albastru sau căpriu.

O altă metodă de transfer fotomecanic al unui original este fototipul. Inventat în 1855 de chimistul francez Alphonse Poitevin, deși nu era la fel de răspândit ca zincografia, cromolitografia și autotipul, a făcut totuși posibilă transmiterea originalelor artistice complexe cu o mare acuratețe. Această caracteristică a fototipului a făcut ca istoricul gravurului Dmitri Aleksandrovich Rovinsky să publice atlase cu toate gravurile lui Rembrandt și Van Ostade folosind tehnica fototipului.

Și, în sfârșit, vrem să vorbim despre heliogravură. Această metodă de imprimare este foarte apropiată de gravare, dar înainte de gravare imaginea este aplicată pe placă folosind o metodă fotomecanică. Este destul de ineficient, dar copiile gravurilor și gravurilor clasice realizate cu ajutorul lui pot fi ușor confundate cu originalele la prima vedere.

Desigur, nu putem descrie întreaga evoluție a graficelor tipărite în câteva pagini. Dar de la primele experimente timide, gravuri clasice uimitoare, gravuri olandeze, excelente gravuri color din secolul al XVIII-lea care au absorbit toată priceperea tipografilor și artiștilor, fototipurile și autotipurile multicolore ale secolului al XX-lea, toate reprezintă exemple uimitoare de artă a Evul Mediu și epoca modernă.